Полина Осетинская

Программа:
I отделение

Иоганн Себастьян Бах (1685 —1759)
1.Итальянский концерт для клавесина F-dur BWV 971 (1735)
I. Allegro
II. Andante
III. Presto
( «Талантливый мистер Рипли», 1999; реж. Энтони Мингелла)

2. Органная книжечка (Orgelbüchlein) BWV 599-644 (1712 —1717)
Хоральная прелюдия f-moll «Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ» («Взываю к тебе, Господи»)
BWV 639. Веймар, 1713
(«Солярис», 1972; реж. Андрей Тарковский)

3. Токката для клавира № 5 e-moll BWV 914 [1705–1714]
( «Пальцы», 1978; реж. Джеймс Тобак)

4.Соната № 2 Es-dur для флейты и бассо континуо BWV 1031
II. Сицилиана (Siciliano)
(«Рассекая волны», 1996; реж. Ларс фон Триер)

5. Пассакалия и фуга c-moll для органа BWV 582 [1706–1713]
(«Крестный отец», 1972; реж. Фрэнсис Форд Коппола)

II отделение

Георг Фридрих Гендель (1685 —1759)
1.Сюита для клавесина № 4 d-moll. II vol. HWV 437 [1703–1706]
III. Сарабанда (Sarabande)
(«Барри Линдон», 1975; реж. Стэнли Кубрик)

2. Чакона c вариациями для клавесина № 2 G-dur. II vol. HWV 435 (1705)
("Осенняя соната",1978; реж. Ингмар Бергман)

Генри Пёрселл (1659 —1695)
3. Граунд (Ground) c-moll для клавесина ZD 221
("Контракт рисовальщика«,1982; реж. Питер Гринуэй)

Жан-Филипп Рамо (1683 —1764)
4. Пьесы из Сюиты для клавесина № 2 e-moll RCT II (1724)
5.«Перекликание птиц» (Le rappel des oiseaux)
(«4 дня во Франции», 2016 реж. Жером Рейбо)
9.«Тамбурин» (Tambourin)
(«Служанка», 2016; Пан Чхан Ук)
10.«Поселянка» (La villageoise)

5. Пьесы из Сюиты для клавесина № 3 d-moll RCT III (1724)
1. «Нежные жалобы» (Les tendres plaintes)
2. «Солонские простаки» (Les Niais de Sologne)
3. «Вздохи» (Les Soupirs)
4. «Радостная» (La Joyeuse)
6. «Беседа муз» (L’Entretien des Muses)
8. «Циклопы» (Les Cyclopes)
(«Казанова», 2015; реж. Жан-Поль Жене)

Обращение современного кинематографа к классической музыке — тема дискуссионная. Многие режиссёры и композиторы считали использование классики «запрещённым приёмом», который позволяет «спрятаться» за спину гения. По мнению Альфреда Шнитке, «гуляющая по множеству картин музыка выражает, прежде всего, недостаток инициативы. Классику используют, беря у неё взаймы спектр ассоциаций». Однако фильмы таких режиссёров, как Стенли Кубрик, Ингмар Бергман, Андрей Тарковский, Фрэнсис Форд Коппола, Ларс фон Триер и других доказывают, что классическая музыка может стать в контексте картины культурной метафорой, важнейшим средством драматургии, вызывающим необходимые ассоциации и определяющим концепцию фильма.

Первое отделение концерта целиком посвящено музыке И. С. Баха, которая для многих режиссёров остаётся символом вечных ценностей и божественного начала. «Космическая одиссея 2001 года» (1968) Стенли Кубрика и «Солярис» (1972) Андрея Тарковского — фильмы одного периода, близкие в подходе к цитированию классики. Об особом отношении Тарковского к музыке Баха говорят многие коллеги, хорошо знавшие режиссёра. Композитор Эдуард Артемьев вспоминал, что, когда бы он ни заходил к Тарковскому, в доме у того всегда звучала музыка немецкого композитора. Произведения Баха — неотъемлемая часть киноязыка трех картин режиссёра: «Солярис», «Зеркало» и «Жертвоприношение». В фильме «Солярис» музыкальная цитата только одна, но она становится подлинным лейтмотивом всей картины, открывая и завершая её, появляясь в ключевых сценах. Хоральная прелюдия f-moll И. С. Баха (BWV 639) — символ вечных истин, чуждых всему мелкому и преходящему, знак присутствия Бога, взирающего на земную жизнь с небес. Неслучайно цитата из Баха накладывается на другую, визуальную цитату: «Pietà» Микеланджело из Собора св. Петра в Риме.

Ларс фон Триер — известный датский режиссёр и великий провокатор, наследник «скандинавского экзистенциализма» Кьеркегора, Ибсена, Стриндберга, а также Бергмана, видевшего в кино язык, на котором можно задавать неудобные вопросы. А ещё Триер большой поклонник Тарковского, от которого унаследовал любовь к классической музыке и, прежде всего, к Баху. Уже в первом фильме «Рассекая волны» (1996), получившим Гран-при в Каннах, премию «Сезар» и приз Европейской киноакадемии, несмотря на свое увлечение рок-драйвом 1970-х, режиссёр решил убрать из финальных титров песню Дэвида Боуи и заменить её «Сицилианой» И. С. Баха из Сонаты № 2 (Es-dur), аранжированной для органа и трубы.

Когда великий Сергей Эйзенштейн назвал кинематограф «актом насилия», некоторые исследователи задумались, насколько был прав режиссер и его современники, разделявшие теорию «сочетательных рефлексов» В. М. Бехтерева. Частью такого имплицитного насилия стало внушение зрителю стереотипа, что жестокость не только не противоположна высокой культуре, но, напротив, связана с ней неразрывными нитями — подобно тому, как семья Медичи связана одновременно и с покровительством искусству, и с кровавыми буднями ради сохранения власти. Фильм Фрэнсиса Форда Копполы «Крестный отец» (1972) считается величайшим гангстерским фильмом и одним из лучших фильмов в истории кинематографа. Саундтрек к фильму написал Нино Рота, но в картине также звучат органные произведения И. С. Баха: Прелюдия и фуга D-dur (BWV 532) и Пассакалья и фуга c-moll (BWV 582). Это один из первых и самых известных примеров продолжительного звучания классики в сцене серии убийств — кульминационный и шокирующий своей циничной жестокостью эпизод, где Майкл Корлеоне становится крестным сына Конни и одновременно — всего мафиозного клана. В храме звучат органные сочинения И. С. Баха, которые вплетаются в гениальную мозаику, созданную режиссером. Многоплановость сцены уникальна, она соединяет несколько контрастных сюжетных линий, образующих зрительные и слуховые контрапункты. Кроме музыки Баха, к чисто звуковым элементам подключаются латинская молитва священника и крик новорожденного, совпадающий с последним убийством. Фильм «Крестный отец» мгновенно сделал традиционными такие оксюмороны, как «классика и убийство», «церковь и бесчеловечность». Цитаты из Баха играют двойственную роль, являясь одновременно и фоном к действию, и так называемой диегетической музыкой. О существовании органиста в храме можно только догадываться.

Если проанализировать наиболее успешные коммерческие фильмы США последнего десятилетия, обнаружится, что среди героев, предпочитающих классику прочей музыке, больше всего талантливых мошенников, злодеев и гангстеров. И тут уместно вспомнить два фильма, созданных в разные годы. Первая режиссёрская работа американца Джеймса Тобэка, выпускника Гарвардского и Колумбийского университетов «Пальцы» (1978), а также картина британского режиссёра, драматурга и музыканта Энтони Мигеллы «Талантливый мистер Рипли» (1999). В фильме «Пальцы» герой (Джимми) живёт двойной жизнью пианиста и криминального элемента, выбивающего долги для своего отца-бандита. Джимми — плод странного мезальянса между музыкантшей и мелким мафиози. От матери у него талант пианиста и тяга к классической музыке, элитарной публике, он готовится к прослушиванию в Карнеги-холле, самозабвенно исполняя Токкату И. С. Баха e-moll (BWV 914). От отца у Джимми маргинальное окружение, бандитское воспитание и криминальный бизнес. И в той, и в другой его ипостаси пальцы — главный инструмент. Суть фильма — раздвоение и моральная амбивалентность личности Джимми, для которого естественно сосуществование возвышенной музыки Баха с кровоподтеками на лице очередного должника и попсовой, навязчивой мелодией 50-х. Мрачный, впадающий в крайности фильм Тобака пронзительно поэтичен и безысходно жесток. С лёгкой руки Квентина Тарантино фильм утвердился в категории культовых.

Получивший пять «Оскаров» психологический триллер «Талантливый мистер Рипли» снят британским режиссером итальянского происхождения Энтони Мингеллой по одноименному роману Патриции Хайсмит. Психологические детективы знаменитой писательницы интригующи и глубокомысленны. Экранизацию романа Хайсмит Мингелла представлял себе как нуар вперемешку с триллером. «Я прочитал книгу и подумал: „мне она нравится... это история героя, прижавшегося носом к стеклу, а за ним — мир, с которым у него ничего общего“».

Настоящий талант афериста Томаса Рипли — «импровизировать свой жизненный путь в мистическом поиске любви и собственной личности». Мингелла внес изменения в сценарий: в романе Дики Гринлиф собирается стать художником, а Мингелла — музыкант и горячий любитель музыки — решил сделать его начинающим джазовым саксофонистом. Томас Рипли — приверженец классики, он играет на рояле Итальянский концерт F-dur (BWV 971) И. С. Баха. «Музыка — это душа „Талантливого мистера Рипли“. Я думал о том, что соответствует тому периоду, — экзистенциализм и джаз. Поэтому я пытался найти грань между классикой и джазом... Когда мы говорим о джазе, мы подразумеваем, что люди импровизируют, а когда говорим о классике, то думаем, что всё очень формализовано. Но Бах был великим импровизатором». Развитие сюжета показывает, что джазмен-Дики консервативнее, в то время как Рипли может гениально (патологически) импровизировать. В этом его главный талант.

Второе отделение концерта, прежде всего, посвящено историческим фильмам, в которых барочная музыка воссоздает атмосферу эпохи, культурный контекст. Для исторических лент тщательная проработка соответствующего времени музыкального наследия давно стала нормой. Фильм Стенли Кубрика «Барри Линдон» (1975) — роскошный костюмный фильм по плутовскому роману Уильяма Теккерея. Фильм не похож на другие проекты режиссера, он снимался на натуре, во многих известных особняках, целое состояние было потрачено на наряды и интерьеры, воспроизведенные с большой тщательностью. Несмотря на трехчасовой хронометраж, картина, удостоенная четырех «Оскаров», смотрится на одном дыхании. Завораживает красота мизансцен и выверенных кадров, напоминающих английскую живопись (например, работы Констебла и Хогарта). Одной из главных музыкальных цитат стала «Сарабанда» Г. Ф. Генделя из клавирной сюиты d-moll (HWV 436). Сарабанда — старинный испанский танец-шествие с характерным ритмическим рисунком. В XVIII веке он уже утратил национальные черты и стал частью европейской сюиты. Генделевская Сарабанда воспринимается как воплощение английского стиля, хотя написала она была совсем юным композитором еще до отъезда в Англию. В фильме Кубрика Сарабанда звучит в переложении для оркестра, что придает музыке внушительный характер, танец-шествие воплощает неумолимость рока и завершает всё киноповествование мощной вневременной кульминацией.

Шведский режиссёр Ингмар Бергман признан одним из величайших кинорежиссеров авторского кино и самых музыкальных режиссёров XX века. Свою режиссёрскую деятельность как в кино, так и в театре Бергман сравнивал с работой дирижёра оркестра и подобно Андрею Тарковскому отмечал, что если бы не кино, то он избрал бы именно эту музыкальную профессию. В большинстве картин Бергман обращается к музыке И. С. Баха (с её страстным стремлением к Богу), но и сочинения Г. Ф. Генделя также встречаются в его картинах. Чакона соль мажор HWV 435 Г. Ф. Генделя звучит в фильмах «Око дьявола», «Лицом к лицу», «Осенняя соната». В большинстве работ мастера драматургическая и образная роль классической музыки очевидна. В «Осенней сонате» (1978) музыка не только используется как необходимая часть сюжета, но и несёт важную смысловую нагрузку. Она должна сблизить главных героинь — мать и дочь — а в итоге становится не средством объединения, а катализатором их разобщённости.

Ещё одна историческая картина британского кинорежиссёра, художника и писателя Питера Гринуэя «Контракт рисовальщика» (1982) была снята по его собственному сценарию и стала ошеломляющим событием. Действие фильма разворачивается в 1694 году. В многочисленных интервью Гринуэй подчеркивает, что дата выбрана им не случайно... «Именно в эту эпоху начинается активное взаимодействие между англичанами и континентальной Европой: не только в сфере политики, но и в сфере искусства». Впервые англичане начинают интересоваться живописью; на 1694 год приходится расцвет садово-паркового искусства в Англии. Гринуэй в своём фильме воссоздаёт английский барочный парк XVII века. Барочный сад — это микрокосм «Контракта рисовальщика». Все события детективной истории разворачиваются в усадьбе среди театрально расположенных кущ деревьев с запрудами, образующими живописные озера и статуй, которые на поверку оказываются живым человеком, загримированным под статую. Наконец, это время расцвета английской музыки и творчества «британского Орфея» Генри Пёрселла. Съемки фильма проходили в 1981 году, но еще в юности, в 1961 году, режиссер познакомился с Майклом Найманом, который стал композитором фильма. Один из родоначальников минимализма, Найман сразу нашел полноценного единомышленника в лице Питера Гринуэя, сделав свою музыку неотъемлемой частью экспериментов режиссера. Во время работы над «Контрактом рисовальщика» Найман вдохновлялся творчеством Генри Пёрселла, популярного в среде минималистов, заново осваивающих early music. Композитор отталкивался от камерно-инструментальных сочинений Пёрселла. Граунд c-moll ZD 221, другие танцы, бережно стилизованные Найманом, находятся в строгой зависимости от сюжетных, тематических и композиционных особенностей фильма.

Последние три фильма принадлежат к различным культурным традициям, их отличает и жанровая принадлежность — приключенческий сериал «Казанова» (режиссеа Жан-Пьера Жене, 2015), «4 дня во Франции» (Жером Рейбо, 2016) — современная комедия секса и абсурда, интеллектуальная игра и культурно-географический экскурс по Франции, который звучит как признание в любви стране, несмотря на фатальное одиночество героев фильма, наконец, «Служанка» южнокорейского режиссера Пан Чхан Ука (2016) —триллер, переносящий зрителей в 30-е годы прошлого века, время оккупации Кореи японцами. Лихо закрученный сюжет, в котором соединяются изощренная эротика, жестокость и изысканная красота натуры. Объединяет все эти фильмы музыка великого французского композитора Жан-Филиппа Рамо, пьесы («Солонские дураки», «Перекликание птиц», «Тамбурин») и клавирные сюиты которого отличаются не только юмором и программной изобразительностью, но также утонченностью стиля, что так присуще французской культуре. Поэтому сочинения Рамо идеально иллюстрируют «исторический контекст» «Казановы», дух Франции («4 дня во Франции») и сладострастную чувственность фильма «Служанка». Текст Юлии де Клерк

Продолжительность: 1 час 45 мин (с антрактом).